Nel mare magnum degli artisti emergenti, in particolare italiani, vorrei spendere due parole per Matteo Nebuloni, che ho avuto il piacere di incontrare a Senigallia. Bisogna distinguere tra l'opera e l'artista. La distinzione è necessaria inizialmente e propedeutica alla successiva ricongiunzione, sotto una nuova luce. Ci si avvicina all'opera prima, e all'artista poi. Nel caso di Matteo, le sue opere surrealiste che prendono spunto dalla sua fantasia, costantemente alimentata dal mondo che lo circonda, rapiscono immediatamente l'attenzione. Non è un passaggio scontato. Si arriva a Matteo dall'opera. Si arriva a conoscere un ragazzo che mette nell'arte la propria vita e le sue esperienze per il mondo, filtrate dalla sua visione del mondo, o di un nuovo mondo immaginario, in cui il sogno ci apre porte nuove. I suoi quadri sono dinamici. Raccontano storie nuove. In comune con la mia pittura hanno la narrativa. Il mio è un espressionismo narrativo, il suo un surrealismo narrativo. Chiudere i nostri stili in due cassetti è ancora presto. Noi che facciamo della limpidezza del nostro essere, un vessillo importante. Arte e uomo arte. Essere nel colore. Ho conosciuto Matteo e ho ricollegato tutti i punti che dai suoi quadri mi hanno portato a lui, ripercorrendo il percorso al contrario e trovando tante verità che non conoscevo. Grazie Matteo.

Tratto dal mio libro del 2020..

https://books.apple.com/it/book/il-colore-del-sangue-di-nerone-sergio-terzi/id1527104776

Sono sul mio divano. Il divano di Sara. Vedo un quadro astratto di Nerone, appena sopra la punta dei miei piedi. Ho sentito che l'astratto viene con la maturità. Con la padronanza. Ho sempre però creduto che ad una certa età, avanzata, sia anche più veloce la raffigurazione. Non si è forse più tanto precisi nei dettagli. Si deve comunicare con un nuovo linguaggio. Semplice nella stesura e complesso nell'interpretazione. 

A Fabriano anni prima conobbi il pittore Paolo da San Lorenzo. Un allievo di Picasso si diceva. Dipinse finché potè la mano. Gli ultimi mesi provò l'astratto. Era il suo astratto non ci sono dubbi. Capii che quella è una forma espressiva elevata. Finale. Il messaggio era diverso. Ogni artista esprime se stesso. Per raccontarsi agli altri. Oppure per liberarsi.

Seduti sul tavolino, uno di fronte all'altro chiesi a Nerone. Come ti senti adesso. Sei soddisfatto di quello che hai fatto. Mi rispose che l'arte lo faceva stare meglio. Che per lui era un modo di liberarsi. La risposta era calma. Di chi ha raggiunto una certa pace dei sensi. Di chi non può alzarsi la mattina senza espellere dai propri pori il colore. Quel sangue che bolle dentro, dopo anni di sofferente, prova ad uscire dal pennello, per fare meno male. Una grave patologia. Chi si taglia i polsi per far uscire il dolore. Un grande atto di coraggio. Chi dipinge e getta il colore sulla tela, trasformando la lesione in vita. E' la creazione. Il colore del sangue di Nerone schizza via dalle sue mani. Attraverso i pennelli. Per voler vivere ancora. Fino all'ultimo respiro. 

Sono seduto sul divano. Sopra la punta dei miei piedi spunta un quadro astratto di Nerone. Vedo la guerra. Il sangue. Le bestie. Il male che vince sul bene. La morte che prende chiunque. La dignità che appiattisce gli uomini. Tutti uguali. Di fronte al soccombere. Eppure ancora una pennellata. Perché possa uscire tutto, quel male. Perché possiamo noi essere migliori. Se ci liberiamo del sangue che bolle. Fino ad intiepidire l'animo. A chiudere gli occhi e poter finalmente sognare. Senza la preoccupazione di lottare. Ricevendo dalla natura. Quello di buono che ogni uomo merita.

Posto che l'artista crea in primo luogo per sentirsi meglio (il primo approccio è catartico), e che questi può capitare diventi famoso per ragioni ignote e casuali, la domanda che ci si fa riguarda l'originalità e univocità di uno stile.

Se guardiamo indietro ai più grandi artisti di tutti i tempi, oggi sapremmo riconoscere una loro opera senza leggerne la firma. Chi si avvicina all'arte con il pennello in mano, rischia di forzare questo aspetto palese, costruendo uno stile inesistente. In questo modo l'essere se stesso andando avanti soffre. Consiglio di non seguire uno stile. Dopo 10 quadri, 100 quadri, 1000 quadri il nostro stile sarà evidente a tutti, compreso noi. Ognuno lascia un segno distintivo: la scelta dei colori, i contorni, le figure, le tecniche, si palesano andando avanti. Arriverà un momento nel quale qualcuno dirà "riconosco il tuo stile" a prescindere dal soggetto. Quello che un artista deve fare è divertirsi, senza troppo pensare al dopo. Il dopo è il dopo.

Chiedere ad un'artista cosa significhi Arte è una domanda interessante, le cui risposte molteplici aprono a diversi scenari di pensiero. 

Da collezionista ho imparato ad apprezzare l'arte altrui, in qualsiasi forma. Il classico "segno" per il solo fatto di essere stato lasciato da un artista, è una prova tangibile della sua esistenza. Entrare nel personaggio, conoscerlo e creare un feeling ci porta a valutare ogni sua opera. Di una persona cara cosa ci resta? I ricordi, gli oggetti, gli insegnamenti. I ricordi li sviluppiamo intimamente dentro noi, ma cosa ci manca effettivamente? La presenza. La carezza. La voce. Il segno. Ecco che in questa ottica quando ci avviciniamo ad un'opera, ci avviciniamo all'artista, sia esso in vita o a maggior ragione non più presente. Dall'altro lato chi crea arte, insegue più o meno inconsapevolmente l'elisir di lunga vita o di lunga morte. Questa panoramica ci fa comprendere meglio l'arte contemporanea. Quando un neofita si avvicina ai primi autori del secolo scorso e si imbatte in Mario Schifano o Antonio Ligabue, non ne percepisce subito la potenza. Questa esce fuori quando si entra nel personaggio. Cosa daremmo per avere un segno in più. Il segno che oggi da artista io lascio, per tutti e per nessuno, per la mortalità e l'immortalità.